dimanche 1 octobre 2017

Miss Sloane

2017 - John Madden




Ce film est précieux, presque exclusivement composé de dialogues d’une grande qualité, auxquels des actrices et acteurs talentueux donnent vie. Le scénario est à l’image de ses personnages : d’une intelligence redoutable. Comparable à la série House of Cards, il gravite autour de l’impitoyable et très charismatique miss Sloane, interprétée par Jessica Chastain. Mais à la différence du rôle prédateur de Kevin Spacey, elle justifie son jeu par des intentions louables dont la crédibilité est étayée à mi mots. D’une manière générale il faut se concentrer pour suivre : les échanges techniques vont vite, les sous-entendus sont réguliers. Et alors que la saga Netflix a choisi un décor politique pour mieux illustrer l’inconsistance de celle-ci, Miss Sloane en est le reflet : le lobbying est une affaire d’argent soumise aux fondements de la vie politique. Si bien que cette activité, si peu représentée et généralement méprisée, apparait certes déshumanisée, et pourtant presque innocentée par la pourriture du pouvoir qu’elle alimente et dont elle se nourrit. Enfin Miss Sloane esquive tout stéréotype de genre avec un casting d’une mixité exemplaire. Remarquable.

Scénario : Jonathan Perera
Musique : Max Ritcher
Photographie : Sebastian Blenkov

mardi 15 août 2017

A kingdom of conscience

August 2017


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Kingdom of Heaven is a 2005 movie directed and produced by Ridley Scott. It takes place during a 12th century Crusade, with Jerusalem occupied by Christians and Muslims led by sultan Salahuddin claiming it back. The main character, played by Orlando Bloom, is a French village blacksmith seeking redemption for the soul of his wife who killed herself. He thus follows his father, a great knight, to the Holy Land, “kingdom of conscience”, where anything can be achieved.

Kid, I used to love it, as it is an epic historical and adventure film, and also because I identified more easily with the blacksmith, Balian, than with most movie heroes. He is no strong and brave warrior, simply a man with skills and weaknesses, and more importantly, principles. Looking back on it, principles are all what this film is about.

First, it depicts the Crusades with great open-mindedness, thus criticism. Fortunately, one would say. It portraits men of power driven into madness by greed, and taking thousands with them into the horror of war. That part I find really interesting: war appears as nothing more than a stupid game, that smart rulers always try to avoid. Under the governance of Baldwin IV and Salahuddin, all beliefs are welcomed and respected.

“There’ll be a day when you will wish you 
had done a little evil to do a greater good”

It also raises a philosophical question: the one of utilitarianism. Should we engage in acts for the maximum good of the maximum of people, no matter the means? This is a type of consequentialism, the theory according to which an issue is morally judged upon its outcome. That is the way most people think. At some point Balian is given a utilitarian choice. The princess Sibylla, who holds power, is married to the main antagonist, Guy de Lusignan, an anti-Muslim wishing for war. To avoid this, Balian should agree to Guy’s assassination. He does not, even though he is well aware of the man’s monstrous intentions, and that they hate each other. When asked why, he has this beautiful answer: “it is a kingdom of conscience, or nothing”. He believes that whatever good may be a situation, it is worth nothing if based on an evil act. So do I. We will not build a better world if we accept to build it with blood. If we accept to surrender our principles.

“God will understand, my lord. 
And if he doesn’t, then he is not 
God, and we need not worry.”

The question of religion and belief is central to the movie, and even though men of God are mostly depicted as fanatics or vicious persons, some rightful characters are also driven by their faith. I don’t see this as an atheistic movie. It respects and values different beliefs, but has a lot to say about religions. “You’ve taught me a lot about religion, Your Eminence” says Balian to a hypocritical priest. Religion is used to move armies, it is what gives meaning to all of it. It is the reason why people unite. And when religion fails, something else is required, a sense of honour, being a knight, for instance. Jerusalem is a pile of rocks, Balian understands it and fights for the people living inside the city. But Jerusalem is also a symbol. It is the last human desire, the last step of Maslow’s pyramid of needs: transcendence. Because, as Balian says, the kingdom of conscience is in our mind and heart, and that can never be surrendered.

What is Jerusalem worth?
Nothing. Everything.

samedi 22 juillet 2017

These final hours

2015 - Zak Hilditch





J’ai déjà versé une larme devant plus d’un film. Mais éclater en sanglots, c’est la première fois. Dernière scène, le générique, je commence à réfléchir, je me projette, et la vision est intolérable. These final hours est d’une puissance émotionnelle rare. Comment les gens réagissent sachant vivre leurs dernières heures ? La réponse est multiple, souvent terrible, parfois sublime. Beaucoup de protagonistes pour autant de réactions, mais surtout un duo de personnages, perdus. Une jeune fille qui perd son père, un homme le sens à donner à son existence. En la sauvant, il se retrouve. L’ambiance générale est sombre, malsaine, le désespoir omniprésent. On s’accroche à chaque lueur, jusqu’à en suffoquer. La mise en scène développe finement l’atmosphère d’apocalypse, le jeu est convaincant, c’est surtout incroyable de voir une telle évolution dans un contexte aussi contraint. La force de ces dernières heures réside dans le fait de savoir l’histoire sans issue. Il ne reste rien, aucun objectif, aucun espoir, aucune raison de se battre. Tout ce qui demeure est un ensemble d’individus seuls avec leur conscience. C’est une vision dure, mais je ne peux que vous inciter à la contempler. 

Scénario : Zak Hilditch
Musique : Cornel Wilczek
Photographie : Bonnie Elliott

dimanche 16 avril 2017

An illustrated essay on Transhumanism

April 2017




“Happiness is never grand.” states a Controller in Huxley’s Brave New World, written in 1931 and depicting a future in which humanity finally experiences true social order, as all humans are clones conditioned to accomplish one specific type of tasks and to be always happy. Mankind has eventually fulfilled its ultimate purpose: happiness. For millennia, it has tried to reach this state, relying on philosophy, culture, science. For the first time in 1776, it even became the foundation of a free nation: « the pursuit of Happiness » is an « unalienable Right ». The pursuit. The path, not the destination. That is what defines mankind: ambitions, a will to go beyond, and push any limits. Create works of art, reach the stars, understand life. This is the never-ending evolution of humanity.

This, indeed, is the paradox of transhumanism. If we follow our nature until we reach what we seek, we will lose our very nature. Once we’re happy, we have no reason to go on. Worse, more progress would threaten this achievement. In Brave New World, the social order is unshakable, people have no reason to get upset, angry, eager, because they can have at all time whatever they wish: products (such as the pain-relieving, mind-soothing “soma”), sexual partners, adrenaline... But before going further, let’s take a moment to explain what Transhumanism is, because happiness is just one of its goals. It is actually a lot more than what this eighty-six year old book describes.



Transhumanism is about using technologies to revolutionise what it means to be human. On the one hand, by improving our body (that includes our brain), on the other hand to go beyond our body, to make one with technology, our mind being partially or totally digitalised. Transhumanists believe that technology, like biology, is an evolutionary process. And today, our biology has become a limiting factor. We are « shackled by our Primitive Darwinian brain », explains the British Institute of Posthuman Studies, and it is time to move forward. The Institute focuses on three improvements, namely super longevity, intelligence, and happiness. Back on tracks.

In BNW, people assume they have the best life imaginable, because they’re never unhappy. But they live to live, with no passion, nothing gets out of it. They have come back to a survival state, simply without dangers. They don’t have to adapt anymore. Mankind goes round in circles, people live and die, but it creates nothing. It evolves no more. Whatever, could we argue, individuals are all that matters, and they’re satisfied with their lives. But what life? Emotions define our personality, we do not exist without them. I do not feel; therefore I am not. So much for super happiness? Surely, we could manage with a little less anxiety. But as John: “I’m claiming the right to be unhappy.”




What about our body, then? Among other awesome improvements, let’s mention replaceable prostheses to allow the blind to see (They already exist for deaf people who can now hear!), the suppression of neurological disorders, access to knowledge at any time, increased strength and emotions (including fully immersive VR!) or the capability of remaining healthy for as long as we want. Not eternally, don’t get me wrong, but live plainly up until we chose to leave serenely. Why shouldn’t we? Issues of social inequalities are raised in two movies: Andrew Niccol’s Gattaca, and Neill Blomkamp’s Elysium. Who would own the tech? And what about those who do not wish to follow? In Gattaca, children are conceived through genetic engineering and tampering “to ensure they possess the best hereditary traits of their parents” (check out this Centre for Neuroscience & Society’s page: Neuroethics in film and litterature).

This obviously leads to genetic discrimination. But then, the Internet access also led to discrimination in recruitment. We now believe that this same Internet access could reduce inequalities in developing countries. Evolution needs time. Well, assuming that people won’t reject it. Except that some already do, the so-called bio-conservatives. According to them, “there is a substantive human nature which exists independently of its cultural determinations”. They claim that the self should remain a “private, individual, dignified being”, consciousness a mystery. In other words, let’s not kill romanticism! I agree, but we didn’t —while science skyrockets, we still write and read poetry— so why would we? Only when romanticism gets in the way of science, it gives us the Classical elements and the medicine of Humourism. Pretty, but I’m glad we overcame it. Knowing that love is chemistry doesn’t make me less of a lover. Science doesn’t kill magic; it is rather becoming magic.




The other objective is to simply get rid of our body, to go beyond it. But would it be a transfer, or merely a copy, like in the Soma video-game (edited by Frictional Games)? And how accurate? Would we be fully ourselves? This last question, among many others, is addressed in Wally Pfister’s movie Transcendence, where the mind of a dead scientist has been uploaded onto an all-powerful digital system and controls connected humans in order to save the world. Transhumanists generally believe consciousness is pure electrochemistry, thus we will undoubtedly be able to upload it. Will this affect us in any way? How will we experience the world, with which sensors? What about hormones? Because they play a crucial part in our feelings. More importantly, would we still interact with the “real” world or live in a new, digital reality? This can seem far-fetched, but think about it: for some, our personality is already partly digital. Our existence online, on social networks especially, also defines who we are. Imagine what wonderland awaits us, worlds we can build from the ground, in which we would stand as gods, limitless. Except if it turns out to be like The Matrix...

Eventually, this issue merges with the second inevitable outcome of growing technology: artificial intelligence (Chappie, again by Neill Blomkamp). A tremendous number of movies deal with the single IA issue, the best two, in my view, being Her (by Spike Jonze) and Ex Machina (Alex Garland). And to be honest, this is as thrilling as it is frightening. And completing transhumanism before fully sentient computers may be the only way to survival.




It’s on its way, fellows, we’re already transhumanists. Already in “a future where our true reflection is only revealed once the screen goes… dark” (powerful Black Mirror trailer!). But hey, I’m an optimistic after all, not ending on this! Now, go to the rhapsodising YouTube Channel Shots of Awe! Listen to what Jason Silva has to say (is this guy taking drugs?): “We spilled over out of our minds. This is our triumph. This is what it means to be human”.

We’re going to witness within a life-time span the next step of evolution and I’m personally looking forward to this. We simply must never forget that it is not coming without dangers. Now (carefully) embrace the future!

lundi 27 mars 2017





Je vis de mots et de leur beauté, et j'ai besoin de le partager. 
J'ai besoin de croire que ce monde des mots existe, ce monde des images et des valeurs, ce royaume de la conscience, qu'il est bien là et que je ne suis pas seul dedans.




vendredi 24 mars 2017

Grave

2017 - Julia Ducournau






Quelle minutieuse puissance, quelle sublime horreur ! Face à la gravité, un frisson, une fascination... morbide. Des actes crus, des ambitions cruelles, un film sanglant et sans tabous. Un bloc aux mille facettes mais sans aspérités. La violence du propos est supportée par une architecture assez simple, une mise en scène intelligente, et un jeu époustouflant. Premier long métrage de Julia Ducournau, premier rôle principal pour Garance Marillier, et toutes deux font déjà preuve d’un talent rare.

Grave c'est aussi un questionnement illustré. Parmi un panel de messages et d’alertes, il brille d’une nature antispéciste. « Pour toi baiser un singe c’est comme violer une femme ? », demande une étudiante. À priori oui, et les manger aussi. Pêle-mêle, on y parle de famille, d’éducation, du bizutage sauvage dans les écoles de médecine, on y adresse la question du consentement, celle du jugement d’autrui.

Ce film est terriblement paradoxal, aussi fin qu’il est gore, avec autant de bienveillance que de dévastation. C’est un univers à part entière, de ceux que l’on veut fuir et découvrir simultanément. Enfin Grave c’est des musiques, variées, et toujours parfaitement adaptées. Elles font vibrer, ou elles font frémir.

« C’est un délire, ou c’est plus grave que ça ? » C’est Grave. 

Scénario : Julia Ducournau
Musique : Jim Williams
Photographie : Ruben Impens

mardi 21 février 2017

The Neon Demon

2016 - Nicolas Winding Refn




Avant tout un film artistique, une ode à la beauté. Mais pas dans sa version harmonieuse, ici Nicolas Winding Refn cherche plutôt à imager le sublime, dans ses infinis contrastes : on oscille en permanence entres scènes pas saines et perles, entre morbide et merveille, toujours dans l’intensité. La fascination côtoie le malaise, l’horreur et le dégout sont au rendez-vous, on n’en tire rien de bon, rien d’encourageant, rien d’agréable. Et pourtant on ne peut en détacher les yeux un seul instant. Ce ne sont pas pas les acteurs, pas le scénario, c’est l’atmosphère. Et le rythme. Les plans, les musiques, les surprises. Ce n’est pas un film sur la mode, c’est un film sur l’immonde. Sur la saleté en chacun, et ce besoin mortel de la cacher sous une peau parfaite. C’est de l’art, mais des plus difficiles d’accès. Ce n’est certainement pas pour les enfants. Et c’est révolutionnaire. 

Scénario : Nicolas Winding Refn
Musique : Cliff Martinez
Photographie : Natacha Braier

10, Cloverfield Lane

2016 - Dan Trachtenberg




La réalisation est d’une rare excellence. La construction scénaristique tout bonnement phénoménale. Et les trois seuls personnages de ce huis-clos sont suffisamment complexes pour éveiller chez nous des sentiments contradictoire. Le film est intriguant, minutieux, intelligent, effrayant, frénétique, mais plus que tout, le fil narratif est brodé d’or. Assez long pour collectionner les retournements de situations, assez court pour ne pas s’en décrocher un seul instant, sa noirceur contrebalancée par quelques passages enjoués. Tout s’enchaine et s’imbrique à la perfection de la première à la dernière scène, si bien qu’on pourrait croire qu’être parfait était vraiment l’objectif.

Scénario : Josh Campbell
Musique : Bear McCreary
Photographie : Jeff Cutter

Bienvenue à Gattaca

1998 - Andrew Niccol




Ah le transhumanisme... Gros débat ! Est-ce que l’on devrait pousser les limites de la science et la technologie jusqu’à l’amélioration de l’humain dés la naissance ? Le design de son bébé ? Est-ce qu’on l’accepte en tant que parent, mais la question posée surtout, c’est que devient la société ? Pourquoi recruter un individu de naissance naturelle, quand on peut avoir plus intelligent, plus fort, à la santé assurée ? Et bien à Gataca, entreprise spatiale, on ne le fait simplement pas. Ou alors juste pour le ménage. Mais Vincent, joué par Ethan Hawke, a des rêves plus grands que sa naissance ne lui permet. Alors il a recours à un trafic d’identité, il « loue » celle d’un « valide » qui a perdu l’usage de ses jambes, incarné avec brio par Jude Law. Cela implique des sacrifices, et d’immenses risques. Et cela est superbement bien rendu. La question est plus que jamais d’actualité, la réponse loin d’être simple. Et le film prenant. Et percutant. Et très réfléchi. 

Scénario : Andrew Niccol
Musique : Michael Nyman
Photographie : Slawomir Idziak

12 hommes en colère

1957 - Sidney Lumet 




Impressionnant ! Un huis-clos, douze personnages, en temps réel, et quelle profondeur ! Quels dialogues ! Un jury doit décider de la culpabilité ou non d’un suspect. Onze sont pour, le dernier contre. Pas parce qu’il le pense innocent, parce qu’il refuse de condamner un homme sans en discuter. Parce qu’il a des doutes, et que lorsqu’il s’agit de juger, il n’accepte pas le risque d’une erreur. Il n’a pas la vérité, pas d’ultime réponse, mais il discute. Il argumente. Il instille le doute chez d’autres. Et c’est tout ce qu’il faut pour amorcer le débat. Et ce film n’est que ça, un débat d’une heure trente, entre douze hommes tous différents, chacun avec son histoire, ses convictions, sa volonté. Chacun joué avec justesse. Ce film est une formidable invitation à douter, une ode au débat. Je l’adore.

Scénario : Reginald Rose (d'après son oeuvre)
Musique : Kenyon Hopkins
Photographie : Boris Kaufman

Loving

2017 - Jeff Nichols




Mon troisième film de Jeff Nichols, et bien que celui-ci, historique, dénote du style surnaturel que je lui connaissais, je commence à y percevoir un motif. Chaque fois la focale est faite sur une famille, et le potentiel caché qu’elle recèle. Ici le désir simple de s’unir par le mariage, interdit par les mentalités et lois de leur État. Pas d’esprit révolutionnaire chez ce couple, juste le souhait de mener leur vie comme iels l’entendent. Encore une fois, le mot d’ordre de Nichols, c’est la simplicité. Dire le strict minimum et même moins, laisser le spectateur deviner les règles et les enjeux. Rien de superflu, et rien de précipité non plus. C’est lent, peut-être un peu trop, et un peu trop pauvre en émotions aussi, par souci de réalisme certes, mais de fait on se sent moins impliqué. Loving permet d’appréhender une époque qu’on ne connait sinon qu’à travers ses personnages illustres comme MLK ou JFK. Une thématique centrale, c’est la construction : construire une maison, une vie, un sens de la justice. Le jeu d’acteur est, bien que bon, aussi secondaire que les musiques. C’est la construction du film qui touche. La façon dont il fait sens sans direction préméditée. Ni très beau ni particulièrement mémorable, juste... important.

Scénario : Jeff Nichols
Musique : David Wingo
Photographie : Adam Stone

lundi 6 février 2017

La La Land

2017 - Damien Chazelle




Les comédies musicales, je n’en ai pas tellement l’habitude. Qu’importe, il suffit d’une minute et la première chanson pour être séduit, entre émerveillement et sourire niais. Et ce sourire ne nous quitte que pour de fréquents éclats de rire. Ce n’est pas un divertissement, c’est de la joie en images. On en sort avec une envie de danser, et toujours ce sourire aux lèvres. Et puis Emma Stone et Ryan Gosling sont bluffant, deux rêveurs qui ne se croisent pas en douceur, deux êtres passionnés, et passionnants. Deux êtres, deux rêves, et une vie. Des découvertes, des miracles, et des compromis. Et si l’humour s’efface parfois, l’émotion est toujours là. Toutes les couleurs sont présentes sur la palette, la réalisation irréprochable, et si la bande originale manque de diversité, elle y gagne en force vibrante. Le message, brouillé par un final sublime, résonne encore en moi. Du bonheur. 

Scénario : Damien Chazelle
Musique : Justin Hurwitz
Photographie : Linus Sandgren

Le Silence des Agneaux

1991 - Jonathan Demme




Je croyais qu’il s’agissait d’un film d’horreur ! En fait une enquête policière et psychologique, qui implique tout de même deux psychopathes, donc quelques scènes ne sont pas tout public. Et déjà on est loin du simple thriller, puisque l’un des deux est derrière les barreaux, et « aide » le FBI a trouvé le second. Deux choses, à mon sens, font de ce film un chef d’œuvre : le montage, et le casting. Le choix des scènes, ce qu’elles montrent, comment elles se succèdent, ce qu’elles apportent à la progression. Des dialogues d’une extrême qualité, ou une violence palpitante, beaucoup de tension, un peu dégout. Quant au jeu d’acteur, quelle paire ! Jodie Foster, qui débute au FBI, et Anthony Hopkins, pas moins que le tueur en série cannibale Hannibal Lecter, ont des rôles aussi divergents que transcendants. Les deux remportent dès les premiers instant notre fascination, et ne la déçoivent pas. Un début prenant, une fin frénétique, un film splendide.

Scénario : Ted Tally (et Thomas Harris, d'après son oeuvre) 
Musique : Howard Shore
Photographie : Tak Jujimoto

mercredi 4 janvier 2017

The Revenant

2016 - Alejandro Gonzalez Inarritu 



Une expérience inoubliable ! Et au centre : la survie. Celle du personnage de DiCaprio, redevenu animal, brisé physiquement et moralement. De celui de Tom Hardy, pragmatique, sombre et réaliste. Des indigènes, massacrés. Des soldats américains en territoire mortel. Et même des animaux sauvages. Et cette survie, elle est extrêmement violente. Certaines scènes, dont l’attaque de l’ours, ont peu d’égales au cinéma. La réalisation est phénoménale : contraste entre une lenteur générale et le rythme effréné de certains passages, plans-séquences bluffants, switch entre les différents parcours toujours pertinent. La nature est sublimée, l’humanité disséquée, le film engagé. Le cadre spatio-temporel est effacé au profit de l’universalité du genre humain. Et si l’absence de véritable scénario en a dérangé certains, c’est qu’ils recherchaient une évolution là où s’impose une progression. Enfin, bien sûr, le jeu d’acteur : si DiCaprio est exceptionnel, dans sa retranscription de la douleur, physique et morale, il est loin d’être le seul, et l’ensemble forme un tout grandiose.

Scénario : Mark L. Smith (d'après l'oeuvre de Michael Punke)
Musique : Ryuichi Sakamoto et Carsten Nicolai
Photographie : Emmanuel Lubezki

Ex Machina

2015 - Alex Garland



Sublime. Lent et percutant, beau et terrible, simple et tordu. Quatre personnages en huis clos permettent de perfectionner la réalisation jusque dans les moindres détails. Le sujet est d’actualité, la vision révolutionnaire. Et à vrai dire, elle nous effraie quelque peu. Le casting est incroyable, le décor d’une modernité grandiose. Sans se prendre la tête, on s’interroge, on hésite, on s’émerveille... Soyons honnête, le film n’est pas gai, les personnages pas vraiment attachants, mais le but est ailleurs, et atteint : aborder avec une extrême justesse la problématique de l’intelligence artificielle consciente. Le maître mot : simplicité. Dans les plans, les dialogues, les musiques. Et si au passage ils parviennent à glisser quelques réflexions sur les relations humaines ou le big data, ce n’en est que plus piquant. Un film qui, si vous parvenez à adhérer au rythme ralenti, ne vous épargnera pas. 

Synopsis

Caleb est un brillant codeur chez BlueBook, le plus important moteur de recherche mondial, qui gagne un séjour d’une semaine auprès du fondateur de cet empire technologique. Mais en arrivant dans la demeure isolée, il découvre la véritable raison de sa présence : il va interagir avec Ava, une intelligence artificielle à corps de femme.

Scénario : Alex Garland
Musique : Geoff Barrow et Benjamin Salisbury (montage par Yann McCullough)
Photographie : Rob Hardy

lundi 2 janvier 2017

Le Pont des Espions

2015 - Steven Spielberg



Magistral ! La guerre froide, cette époque, aux États-Unis, c’est vu et revu. Mais jamais comme ça ! Le questionnement sur les implications légales et morales de l’espionnage est profondément humain. C’est tout d’abord la rencontre de deux hommes de valeurs dans un contexte de procès, mais cela s’oriente ensuite sur le poids de l’opinion politique dans la justice, pour enfin plonger dans la noirceur des intrigues diplomatiques, et les conséquences de suivre sa conscience contre vents et marées. Comme toujours Tom Hanks incarne une figure forte et réfléchie, qui n’hésite pas à se lever contre l’injustice, au travers de discours puissamment humanistes. L’autre force du film, c’est cette vision inédite de Berlin au moment de l’érection du mur. Une vision marquante.

Et pour l’anecdote je ne me rappelais plus quel Oscar avait reçu ce film, et bien il saute littéralement aux yeux : le jeu de Mark Rylance est juste incroyable.

Synopsis

James Donovan, avocat à Brooklyn, est plongé malgré lui au cœur de la guerre froide lorsqu'il doit défendre un espion soviétique, puis que la CIA l’envoie à Berlin Est négocier la libération du pilote d’un avion espion américain U-2.

Scénario : Matt Charman, Joel et Ethan Coen
Musique : Thomas Newman
Photographie : Janusz Kaminski

MacBeth

2015 - Justin Kurzel



Accrochez-vous. Comme toute oeuvre d’art, MacBeth se laisse admirer, lentement... Si vous y êtes prêt, ouvrez grand les yeux, ils seront comblés. Arrêts sur images fractionnés au coeur d’une extrême violence ; jeu de couleurs sombre et hypnotisant ; ambition et folie exacerbés par des acteurs qui poussent la tragédie à son apogée. Destin inéluctable et âmes torturées. Pour les amateurs de la pièce néanmoins, on s’en éloigne, bien que les dialogues aient des airs de tirades. Kurzel s’est ici approprié l’oeuvre Shakespearienne pour l’adapter à son époque. Peut-être un peu trop, et c’est là le seul reproche que je peux faire : une scène choquante, qui m’a rappelé un traumatisme cinématographique personnel. En conclusion : à voir, avec l’esprit ouvert, et pas une trop grande sensibilité.

Synopsis

11ème siècle, Ecosse. Macbeth, chef des armées, sort victorieux de la guerre qui fait rage dans tout le pays. Sur son chemin, trois sorcières lui prédisent qu’il deviendra roi. Comme envoûtés par la prophétie, Macbeth et son épouse montent alors un plan machiavélique pour régner sur le trône, jusqu’à en perdre la raison.

Scénario : Todd Louiso (d'après l'oeuvre de William Shakespeare)
Musique : Jed Kurzel
Photographie : Adam Arkapaw

Midnight Special

2016 - Jeff Nichols



Midnight Special est frustrant. Parce que si il invite à l’interrogation, il se garde bien de risquer des réponses. C’est une oeuvre d’art qui ne véhicule d’autre message que celui que chacun y verra. Quand on sort, on veut en parler, mais on ne sait pas quoi dire. Ambiance années 70, un rythme globalement lent ponctué de quelques éclats, du drame et presque rien d’autre. Très peu d’émotions. Et ce qu’il a surtout de particulier, c’est la volonté de ne pas accrocher de caractères clairs sur les personnages. A peine quelques indices, quelques phrases échangées qui laissent deviner les rapports entre protagonistes... Les acteurs jouent au minimum, il y a la volonté d’influencer le moins possible le spectateur. Le travers de cela, c’est qu’on ne s’attache à personne, ou presque. On ne sait pas où va le film (ou alors on ne sait pas encore qu’il ne va nulle part). Certaines scènes n’ont pas de sens, ce qui fait gagner en réalisme, mais pas en immersion. Il n’a jamais été question de nous impliquer, on ne fait qu’observer. Et si le mystère est présent, il est dopé artificiellement, il nous embrouille dans le seul but de le faire. Une oeuvre, mais ni particulièrement belle, ni particulièrement puissante. Et pourtant, on a ce petit goût qui reste, pas désagréable, et qui donnerait presque envie d’y revenir.

Synopsis

Fuyant d'abord des fanatiques religieux et des forces de police, Roy, père de famille et son fils Alton, se retrouvent bientôt les proies d'une chasse à l'homme à travers tout le pays, mobilisant même les plus hautes instances du gouvernement fédéral. En fin de compte, le père risque tout pour sauver son fils et lui permettre d'accomplir son destin. Un destin qui pourrait bien changer le monde pour toujours.

Scénario : Jeff Nichols
Musique : David Wingo
Photographie : Adam Stone

Take Shelter

2012 - Jeff Nichols



Le plus impressionnant, c’est la crédibilité de ce film. De bout en bout, on s’interroge : est-ce qu’il s’agit d’hallucinations d’un père à l’héritage psychologique difficile, ou un véritable pouvoir psychique ? Et dans les deux cas, on y croit ! La réalisation est sans défaut, mais le film doit essentiellement cette force du réel à un jeu d’acteur époustouflant. Les personnages de Michael Shannon et Jessica Chastain sont quasiment seuls (avec leur fille) face à la tempête mentale. Le résultat, intime, est suffisamment rapide pour ne jamais décrocher, suffisamment lent pour laisser le temps de s’interroger... Violemment. Voir à travers les yeux d’un esprit perturbé, qui doute autant que nous, c’est un défi, une épreuve, et ce soir une grande victoire. Les films d’une telle qualité sont rares, ne faites pas l’erreur de passer à côté.

Synopsis

Curtis LaForche mène une vie paisible avec sa femme et sa fille quand il devient sujet à de violents cauchemars. La menace d'une tornade l'obsède. Des visions apocalyptiques envahissent peu à peu son esprit. Son comportement inexplicable fragilise son couple et provoque l'incompréhension de ses proches. Rien ne peut en effet vaincre la terreur qui l'habite...

Scénario : Jeff Nichols
Musique : David Wingo
Photograhie : Adam Stone
Mommy

2014 - Xavier Dolan



Ouch. Jamais vu un film aussi dur. Et d’une grande violence, plus souvent verbale que physique. On a envie, par facilité, de dire que c’est impossible de vivre avec un enfant comme ça. Mais c’est aussi un film d’une extrême beauté, parce que bien sûr la vie n’est pas monochrome. Un garçon aussi vulgaire que dangereux peut aussi être le plus adorable des enfants. On a envie de voir de l’espoir, de sortir des ténèbres, et en cela la réalisation est parfaitement adaptée, et plus particulièrement le format d’image et les plans de caméras incongrus. En somme le film ne comporte que trois personnages, trois acteurs exceptionnels. Non, phénoménaux. Ils ne pourront pas vous laisser indemne. C’est un visionnage véritablement intense. On peut descendre au plus bas, puis remonter en flèche. Mais attention, même les plus optimistes auront du mal à sortir du canapé après que le générique soit tombé. Les musiques et les messages sont beaux et sont terribles. Tragiques. Terrifiants. On ne regarde pas Mommy pour le plaisir. On le regarde pour comprendre.

Synopsis

Diane, veuve, doit s'occuper de son fils handicapé (Trouble Déficit de l'Attention) Steve, un adolescent impulsif et violent. Malgré les difficultés, chacun tente de sauver l'autre, avec l'aide inattendue d'une énigmatique voisine, Kyla. Ensemble ils vont parvenir à une forme d'équilibre, et commencer à reprendre espoir.

Scénario : Xavier Dolan
Musique : Noia
Photographie : André Turpin

Juste la fin du monde 

2016 - Xavier Dolan



Une performance incroyable. Un lieu, cinq personnages, et une justesse exceptionnelle. Plus que réaliste, vivant. Mais pas la partie heureuse de la vie, bien au contraire. La colère, la honte, la peur, toutes ces émotions à peine contrôlées, flottant d’une personne à l’autre, autour d’un protagoniste impuissant, un fantôme qui ne revient que pour repartir encore plus durement. Comment parler, comment oser ? Les dialogues sont vibrants, parce qu’hésitants. Les conflits, les espoirs, les rancunes, tout est dit à mi-mots ou pas dit du tout, et pourtant il n’y a qu’une fin possible, inévitable, et intolérable. Soit vous décrocherez dés le début, soit vous n’en perdrez pas une miette. 

Synopsis

Après douze ans d'absence, un jeune écrivain de pièces célèbres revient voir sa famille, pour leur annoncer sa mort prochaine. Cinq personnages en huis-clos mettent en scène un drame familial sans issue, où amour, colère et tristesse s'expriment au même titre. 

Scénario : Xavier Dolan (d'après l'oeuvre de Jean-Luc Lagarce)
Musique : Gabriel Yared
Photographie : André Turpin

dimanche 1 janvier 2017

Enemy

2014 - Denis Villeneuve





What the ... ?! Je commence à être un peu familier des oeuvres de Villeneuve, mais celle-ci me laisse perplexe ! Deux hommes aux vies différentes mais avec un physique et une voix strictement identiques. C’est dérangeant, mais ça ne suffit pas à en faire de la science-fiction. Ce qui n’est pas l’objectif. Et pourtant, j’ai peut-être du mal à m’imaginer dans la même situation, mais les réactions me paraissent un peu... surnaturelles. Une voix au téléphone, honnêtement, c’est trompeur. S’ajoute à cela une thématique du rêve morbide qui fera fuir les arachnophobes, et que je ne parviens pas à expliquer, volonté artistique mise à part. Bon, mais le cœur du film est... inexistant ? Le rythme, d’une extrême lenteur. La photographie, grisâtre. Les musiques, dédiée à l’ambiance, comme toujours. Mais quelle ambiance ? Conclusion, c’est peut-être un chef-d'œuvre, mais il m’a totalement échappé !

Du moins jusqu'à voir une interprétation possible par le Fossoyeur de Films... Et du tout au tout Enemy me torture l'esprit avec ses airs de mindfuck. Ce qui est une bonne chose ! Je ne dis pas que c'est l'explication, je ne suis pas d'accord avec tout, mais jetez-y un coup d'oeil et faites-vous votre propre avis :
L'APRÈS-SÉANCE - Enemy (l'explication ?)

Scénario : Javier Gullon (d'après l'oeuvre de José Saramago)
Musique : Danny Bensi
Photographie : Nicolas Bolduc

Assassin's Creed

2016 - Justin Kurzel



Il est impressionnant ! Avec des décors superbes, et de très belles cascades. Et totalement fidèle à l’univers des jeux. Et bien joué. Mais alors pourquoi je ne suis pas plus emballé que ça ? Pas déçu, il est vraiment excellent, mais juste pas dedans. Peut-être parce que si réussir à résumer proprement tout l’univers en deux heures est un exploit, c’est un peu frustrant pour qui le connait déjà par coeur. Cela mis à part, c’est un bijou. Il est innovant (cet Animus !) sans excès, grandiose et un petit peu extravagant. 

Synopsis

Grâce à l'Animus, technologie permettant d'accéder à sa mémoire génétique, Callum Lynch revit les aventures de son ancêtre Aguilar, durant l'Inquisition espagnole du XVe siècle. Callum découvre qu’il est issu d’une mystérieuse société secrète, les Assassins, en guerre contre ceux qui le retiennent et l'utilisent : l'Ordre des Templiers. 

Scénario : Michael Lesslie
Musique : Jed Kurzel
Photographie : Adam Arkapaw

High-Rise

2016 - Ben Wheatley



Ce film ! Incompréhensible ! Et trash en plus ! J’adore. On ne sait pas vraiment quand ni pourquoi tous ces gens de différentes classes sociales se retrouvent dans cette tour, mais ce que je peux vous dire, c’est qu’il y a un cheval sur le toit. Le personnage principal, psychanalyste (donc il découpe des crânes à la scie), est le témoin détaché de cette folie humaine, le seul qui survit au naufrage de ce Titanic vertical. On y discerne une lutte sociale, une arrogance des grands créateurs, une critique de la société consumériste, et un dalmatien dans le caddie. Si l’absurde ne vous fait pas sourire dés les premières minutes, passez votre chemin. Si oui, amusez-vous bien !

Scénario : Amy Jump (d'après l'oeuvre de J. G. Ballard)
Musique : Clint Mansell
Photographie : Laurie Rose